Cine: Delicatessen (1991)

Dirección: Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro
País: Francia
Año: 1991
Duración: 99 minutos
Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=Tg3V8HDK5go&feature=related

Delicatessen nos introduce en un ambiente extraño, extravagante y minuciosamente grotesco, con una estética apropiada para recalcar ese aspecto del film, con planos angulares dando una exageración a todo cuerpo, gesticulaciones caricaturescas de los personajes y una narrativa cinematográfica que ya se ha convertido en sello propio del director.

En mi caso las obras de Jean-Pierre Jeunet las conocí desde el cortometraje “Foutaises” y luego “Amelie”, en las cuales en conjunto con “Delicatessen” se ve claramente esta forma de personificar y estereotipar a un personaje mediante rasgos exagerados, dejándole ningún espacio a la ambigüedad de elección frente a una acción “buena” o “mala” que ejecute el personaje, ya que conocemos en realidad la verdadera personalidad arraigada a las entrañas del personaje ejecutante.

Este film contiene un aspecto chocante desde el principio y puede crear incomodidad desde la primera secuencia. Esto puede ser provocado por la rareza de sus personajes (solo basta con ver el particular fenotipo del actor Dominique Pinon, protagonista de este film y participante de los otros 6 largos hechos por Jean Pierre), su estética que nos impide pasar a un aspecto más pasivo o relajado y un guión en donde cualquier cosa podría suceder.

Toda la película transcurre por y para los personajes que sostenían la problemática principal de la falta de alimento, lo que crea perfectamente la posibilidad de caracterizar muy bien a los personajes ya que al ser la alimentación una necesidad básica puede sacar a relucir lo mejor como también lo peor de la personalidad humana y dejar una extensa gama de posibilidades para el director.

Según mi apreciación es un film no abierto a todo público pero que en lo personal me resultó una rica forma de narración y un perfecto ejercicio para dirigir y manejar al espectador mediante la creación de personajes.

Actor en la escena: Russell Crowe

Y a propósito de gente valiente, que va contra el Sistema, traemos esta imágen de Russel Crowe interpretando a Jeffrey Wigand en la película "The insider" de 1999, que relata las peripecias morales de un tipo que trabajando en una empresa de tabaco, decide denunciar a las grandes tabacaleras por la publicidad engañosa que ocupaban, con lo cual pone en peligro a su familia y a sí mismo.
Rescato a este actor en ese papel pues se trata de un caso real y que es actuado por Crowe de manera sencilla pero profunda, además de estar muy bien escogida su vestuario durante toda la filmación. La película es altamente recomendable (es del tipo "Flash of genius" o "Milk")

2 éxitos del ficticio grupo "The Wonders"

Y así como hay falsos documentales ("Zelig" de Woody Allen) hay falsas bandas.
No hablo de Milli Vanilli, sino de aquel grupo musical sobre el cual versó la película "That thing you do" dirigida por Tom Hanks en 1996.
4 chicos se conocen, forman una banda, son exitosos y hay una mujer y se jode todo. Fin (Me huele a Beatles...)
Pero, lo entretenido del asunto es que crearon dos muy buenas canciones para el film.
Lograron exprimir el espíritu de los 60 y lo virtieron en las siguientes canciones:

- That thing you do:



- Dance with me tonight:



pd: la película en su tiempo era muy entretenida. Habrá que ver si soporta el paso del tiempo.

Disney y la II Guerra Mundial

En 1943 U.S.A. lanzó su primer ataque aéreo sobre Alemania.
Soplaban vientos de guerra por doquier y todos marchaban al son de la misma. A la gente se le inducía a incorporarse a las filas del ejército patrio y a quienes no lo hacían se les trataba de traidores. Peor suerte tenían los espías.
En esa espiral distorsionada de la realidad, Walt Disney aportó su granito de arena frente a la inminente propagación del régimen Nazi en todo el mundo.

¿De qué manera podía ayudar?

Pues dejando que sus impolutos e inocentes dibujitos animados, hablaran en nombre de la "Gran Patria que es U.S.A."
Con esa maravillosa forma de narrar que se aprecia en "Bambi", "Dumbo", "Blancanieves y los 7 enanitos" o en los cortos de la época, Disney nos introduce en la maldad Nazi, la opresión de las sociedades, la anulación del individuo (en la primera cinta hay un claro influjo de "Tiempos Modernos" de Chaplin) y la importancia de ser Estadounidense, como símbolo en la penumbra de las luces de la Libertad y la Democracia (Además de ganar un Oscar por "El rostro del Fuhrer").
Supongo que en Chile saldría a impulsar la patria Condorito y sus secuaces.

- El rostro del Fuhrer (1943):



- Educación para la muerte (1943):



- Razón y Emoción (1943):

Lo que piensa Woody Allen de los hombres

En el film "Love and death" ("La última noche de Boris Grushenko") de 1975, Allen reflexiona sobre los hombres, Sócrates, el sexo, los homosexuales y... los abogados.
Una no muy buena película, pero que tiene frases y diálogos muy ingeniosos.

Cine: La soga (1948)

Dirección: Alfred Hitchcock
País: U.S.A
Año: 1948.
Duración: 120 min.
Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=VCFP6vDkSUE

Corría la década del 40 y el lenguaje cinematográfico se redefinía constantemente, se creaba y experimentaba en todas sus posibilidades. Y que mejor que apreciarlo en este film dedicado al atrevimiento y a la búsqueda de la expresión en este género con planos secuencias perfectamente ejecutados y una cámara elegante que nos hacía entender rápidamente el espacio físico donde transcurre todo el film.

Los perfectos cambios de planos dados por las acciones de los personajes o sencillamente por las narraciones que estos emitían, exactamente 8 planos equivalentes a todo el film y cada unos de estos iguales a una carga completa de película, la cual duraba aproximadamente entre 8 a 10 minutos.

Quien mas que Hitchcock nos podía deslumbrar de tal manera, con un reparto pequeño, solo una locación, pero con un guión tremendo y que suplía cualquier falencia.
Una fotografía muy bien realizada por William V. Skall y Joseph A. Valentine, quienes nos acomodan perfectamente a la apreciación del tiempo transcurrido solo por la luz del exterior. A esto agreguémosle los complejos movimientos de cámaras que no intervinieron nunca con la luz principal que apuntaba hacia el personaje y que por consecuencia no emitía ninguna sombra inapropiada.

El director nos sitúa en una problemática moral y ética sobre la muerte y el pensamiento de superioridad frente a otro ser, que sitúa a dos personajes como los protagonistas y “malos” de esta película, pero que al transcurrir el film el espectador empieza a sentir pena por estos y angustiarse cada vez que alguien esta cerca de abrir el cajón que contenía el cadáver. O sea nos maneja como espectadores, siendo que según nuestros preceptos sociales y parámetros sicológicos, entendemos un asesinato deliberado como sinónimo de malo o incorrecto, pero al final lo empezamos a justificar y a entender. Este genial control que aplica sobre cada uno que ve el film nos hace parecer unas simples marionetas y rehenes que nos acomodamos a cada emotividad que la película nos indica.

Sin duda un film genial, que nos atrapa desde el primer momento y nos induce a querer saber deseosamente el desenlace, un film asfixiantemente rico. Este nos sitúa en un mundo aparte donde todo puede pasar y donde todo explota en un final con 3 balazos al aire y una apertura de la ventana hacia el mundo real.

Cine: Que pena tu vida (2010)

Dirección: Nicolás López
País: Chile
Año: 2010.
Duración: 93 min.
Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=RQWdaZHZ6l4
Categoría: Apto para gente que quiere reirse un rato. Un rato nomás.
Puntuación: 3 jumbitos (3 de 5)




Cuenta los problemas de un joven de 29 años que ve cómo se queda sin trabajo y sin novia. Meses después vuelve para reconciliarse con ella, pero se encuentra con que la chica ya tiene nueva pareja (Gentileza Wikipedia).

Ya.
Pretender que esta película sea una descripción asombrosa sobre lo que le sucede a un joven de 29 años con respecto a sus relaciones amorosas, su futuro y, en definitiva, la existencia, es pedir mucho. Es como escribir esta breve reseña/crítica/opinión/impresión escuchando “Los momentos” de Gatti, cuando hay que redactarla escuchando “Dammit” de Blink 182.
Y digo esto porque los 29 años (podría haber sido de 25 a 30, se entiende) al ser una edad tan extraña (¿joven adulto o adulto joven?) puede ser mirada desde la década 30 o 20. ¿Por cual se decide el director/guionista? Por la de los 20.

Es bueno aclarar esto por cuanto no es lo mismo una mirada madura sobre las relaciones de pareja (La vida de los peces) que una inmadura y superficial (el objeto de esta reseña). De ahí dependerá también nuestro juicio.
Así las cosas, empecemos.

Un crítico de Terra.cl dio en el clavo con una frase para empezar a describir este film:
“No es más que un berrinche existencialista de un muchacho de clase alta”.

Yo me pregunto, ¿qué esperaban?
Vemos retratados a jóvenes acomodados que tienen como único problema el ser felices. Tienen auto, loft, trabajo, la madre aún los trata como cabros chicos y usan zapatillas.
¿Inmadurez? Lógico.
Pero yo diría que es un punto a favor ese. López logra caracterizar de manera disparatada a esas personas que aún teniéndolo todo, no valoran nada. Y ahí amigos, podemos caer todos.



Por ende, no se trata simplemente de la clase alta. En un momento dado, todos podemos ser objeto de la depreciación acelerada de nuestro entorno: amigos, amores, familia, etc.
Hay un instante donde el film demuestra esto: cuando el protagonista se da cuenta de que es un egoísta. Luego el diálogo con la ex y cuando se pone a recordar los buenos momentos con ella bailando, jugando, etc. Logra brillar y da indicio de que llegará más lejos el film, pero cae en la superficialidad.

Pero, se entiende. Lo que sucede es que estamos frente a una comedia adolescente, absurda y predecible que no aburre y que está bien contada. Como esas protagonizadas por gringos. Contiene uno que otro chiste divertido (lo de Ricky Martin funciona) o el meta cine que realiza al hablar del cine chileno. No tan divertidos son los de las gordas y los niños síndrome de down. No por el tema, sino porque no tienen gracia.

En cuanto a los actores, Ariel Levy no logra llevarse todo el peso dramático de la película. Es un actor que no refleja de buena manera los estados de ánimo. Cuando es eufórico es iracundo y cuando debe sonreír, ríe. Falta equilibrio. Y la actriz Cominetti… las chicas nos son así. Simplemente, no.
Todo lo contrario sucede con la amiga del personaje de Levy, Angela de María (Andrea Velasco) que interpreta de muy buena manera ese papel de amiga incondicional algo enamorada de su mejor amigo.
Marcial Tagle, Quercia (en el mínimo papel asignado) y Claudia Celedón muy bien. Sobre todo ésta última que me hizo recordar a esas madres de Woody Allen, pero modernizadas, que se entrometen en todo dejando al hijo, minúsculo.

La fotografía está muy bien lograda, dando esa impresión de modernidad. A propósito de esto último: ¡¡¡que molestos los placement!!! Ver a cada momento Corona, Sedal, Bazuca, MoviStar o Copano es simplemente, desconcertante. ¿No había otra manera?

Por último, si alguien fue a ver o verá esta película por el temita de las redes sociales, cae en un completo error. Esto se podría haber hecho sin Facebook o Twitter (sirven sólo para adornar las imágenes. Muy bien logrado por lo demás). El problema siempre será el mismo, la comunicación y el otro. Y eso no es patrimonio de las nuevas redes sociales.

Otras críticas:
- Gugulson.
- Somos blogs
- Adictoalfilm

Publicidad: Kill Bill

¿Alguien podría tener dudas de que la sangre sería primordial en la película Kill Bill?
Esta publicidad lo reafirmaría.

Cine: La vida de los peces (2010)

Dirección: Matías Bize
País: Chile
Año: 2010.
Duración: 84 min.
Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=W4QpvT0jtoE
Categoría: Apto para nuevos espectadores del cine chileno
Puntuación: 4 jumbitos.

“Yo no soy partidario de apoyar al cine chileno sólo porque sea cine chileno”. Yo lo pienso y Matías Bize lo dijo hoy en http://www.lun.com/. Es verdad. No porque sea chileno va a ser bueno, pero en esta ocasión es radicalmente diferente.
La vida de los peces es, sin lugar a dudas y sin necesidad de premios, una obra nueva y buena dentro del cine chileno.
Hace tiempo no veía una película hecha acá donde uno pudiera sentirse identificado, tanto uno mismo como los amigos, el habla, etc, y que tratara un tema universal.

Un joven vuelve a Chile a cerrar asuntos pendientes, después 10 años viviendo en Alemania. Decide ir al cumpleaños de un íntimo amigo que por algunos motivos dejó de ver por años, pero cuando esta a punto de despedirse de la fiesta, tiene el reencuentro con el amor de su vida. (Gentileza de http://www.trailers.cl/)

La interpretación de Lewin es impecable. Transita por cada uno de los estados de ánimo (alegría, sorpresa, nervio, coquetería, timidez, osadía, etc) de manera claramente marcada y real.
La de Cabrera, tiene un buen inicio, pero se queda estancado en esa melancolía perpetua que no añade más a la historia.
Hay cosas que mejorar como los diálogos finales donde pierde la frescura y realidad de los del comienzo. Cae en una excesiva actitud literaria, pero los actores la logran aterrizar.
El metraje es justo (84 min.) y los personajes secundarios sirven para realzar la atmósfera y la cotidianeidad del pasado que el personaje principal trata de penetrar (¿o no?).
La historia merece un lugar aparte en la reseña pues es novedosa dentro del cine en Chile, lo cual le otorga mayor mérito a la cinta.
Se nota que el autor (Matías Bize) tiene algunas películas a cuestas y ha aprendido.
Espero en el futuro sus mejores películas.

Otros sitios también dan su veredicto:

- http://www.cinematografia.cl/
- La tercera
- Somosblogs.cl

pd: La hermosa Lewin en una sesión de fotos caracterizando a la gran escritora nacional María Luisa Bombal. Acá.

Película: Los puentes de madison

La película se sitúa en 1965. Relata la historia de Francesca (Meryl Streep), una solitaria ama de casa italiana residente en Iowa, que se había casado con un soldado estadounidense y emigrado a Estados Unidos. Mientras su esposo e hijos se encuentran fuera, en la feria del Estado de Illinois, conoce y se enamora de un fotógrafo, Robert Kincaid, (Clint Eastwood), que ha llegado al condado de Madison, (Iowa) para realizar una serie fotográfica sobre los puentes cubiertos de la zona para National Geographic.

La decisión más difícil siempre ha sido romper con lo de siempre e ir por algo nuevo o quedarnos con lo que conocemos y no explorar más allá. En todo ámbito se produce esa disquisición. Pues bien, trasládela al amor. ¿Cambia la cosa no?
Existen quizás millones de películas de amor, pero ésta en particular trata del amor adulto, lo cual lo hace más complejo y emocionante.

Dia y Noche

No es la canción de Frank Sinatra.
No es una refelxión sobre el paso de las horas en un día.
Es el corto completo de Pixar.
Y no hay mucho más para describir. Simplemente: excepcional.



¿Cómo lo hicieron?

Cine: Inception (El origen) (2010)

Dirección: Christopher Nolan.
País: USA.
Año: 2010.
Duración: 148 min.
Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=66TuSJo4dZM
Categoría: Apto para fans de Matrix

Puntuación: 3 jumbitos y medio.


Sin ser una magnífica película, vino a dotar de aire fresco la siempre alicaída parrilla cinematográfica actual.

Leonardo DiCaprio es Dom Cobb, un fugitivo marcado por su doloroso pasado en el que perdió a su esposa (Marion Cotillard) y no puede reunirse con sus hijos. Saito (Ken Watanabe), es un empresario japonés que le ofrece limpiar su expediente legal a cambio de una misión cuyo objetivo es implantar una idea a Robert Fischer (Cillian Murphy), heredero de una empresa rival que amenaza con socavar el imperio de Saito.

Así planteadas las cosas, Inception se debate entre el drama interior del personaje de Di Caprio y la historia de ciencia ficción que Nolan establece. Ambas, por supuesto, se conjugan de manera increíble y llegan a un final algo predecible.
Además de la obvia referencia a Matrix (donde se basa en un 70%), tiene un aire demencial a Synecdocue N.Y. de Kauffman , Memento del mismo Nolan, el Cubo, hasta Oceans Eleven, y a otras películas del género de anticipación.

Aunque eso da lo mismo. La cosa es que la historia esté bien contada y a mi entender, eso no sucede. En poco menos de 30 minutos asistimos a una ráfaga de conceptos que dejan aturdido al espectador. Desde ahí lo único que queda es rezar para que vuelvan a explicar alguna idea no entendida. O mejor, comprender que es ficción y fijarse en la historia así , sin precisiones.
Fuera lo anterior, tiene soluciones bastante interesantes como el encierro al cual somete a su esposa y la construcción de su propio mundo.
Es una película que atrapa, a ratos angustia y que plantea temas (aún cuando repetidos) que se “agradecen” en estos momentos de poca reflexión.

Ps: eso es lo que hace interesante a este director; que plantea temas interesantes (el bien y el mal en su máximo esplendor en Dark Knight), aún cuando no los logre desarrollar de manera adecuada (verbigracia, Memento).

Películas vistas el 2010 y lo que va del 2011 (o crítica en pocas líneas)

(En cada título va el trailer)

- Stanley Kubrick - Killers Kiss (1955):

Kubrick aprendiendo que él no debe escribir guiones, sino que debe adaptar libros. Además de contratar actores que... actúen.

- Orson Welles - Touch of evil (1958):

Si quieres aprender sobre planos y demases, ésta es tu película. La actuación de Welles es superlativa y (caigo en el cliché) el plano secuencia con que parte la película es magnífico. Jamás había temido tanto por una pareja que está dentro de una pantalla.

- Jim Sheridan - My Left Foot (1989)

El inicio de una colaboración absolutamente productiva entre el director y Daniel Day Lewis. Por cierto, una actuación brillante.

- Luis Buñuel - Belle the jour (1967)

Interesante eso de meterse en el mundo de las prostitutas cuando se supone lo tienes todo.

- Tom Ford - A single man (2009)

¿Qué otro producto podía venir de un diseñador como Ford? El amor se viste de elegancia. ¡Que trajes de época por dios!

- Ingmar Bergman – El rostro de Karin (1984)

Entiendo que tu madre es importante, pero… ¿tenías que hacer esto?

- Jonathan Demme – El silencio de los inocentes (1991)

Anthony Hopkins inventó a los psicópatas que vuelan colegios hoy en día.

- Zach Braff - Garden State (2004)

Paso.

- Kathryn Bigelow – The hurt locker (2008)

Tensionante a cada paso que dan esos soldaditos.

- Denys Arcand – Les invasions barbares (2003)

¡Mi Viejo está a punto de morir! Es hora de reconciliarse con él. Predecible.

- Sam Wood – A night at the opera (1935)

Desternillante. A ratos lenta (la época), pero cuando te ríes, entiendes que estos hermanos son geniales en el arte de la comedia y la ironía fina.

- James Mangold – Walk the line (2005)

Para interpretar al gran Johnny Cash hacían falta agallas. Y Phoenix las tiene. Buen film.

- Jason Reitman – Up in the air (2009)

Exquisita, irónica, negra. Mi tipo de film para reír mentalmente. (Parte 1)

- Juan José Campanella – El secreto de sus ojos (2009)

Una Gran Película. Así Con Mayúsculas.

- Juan José Campanella – El hijo de la novia (2001)

una no tan buena película. así con minúsculas.

- Juan José Campanella – El mismo amor, la misma lluvia (1989)

Esta pareja la he visto antes. El fiato de Darín y Villamil se nota puro y real. Me encantan ellos dos.

- Jason Reitman – Thank you for smoking (2005)

Exquisita, irónica, negra. Mi tipo de film para reír mentalmente. (Parte 2)

- Clint Eastwood – los puentes de Madison (1995)

AWWWWWWWWWWWWWWWWWWW.

- Paul Thomas Anderson – Magnolia (1999)

Un director que hace llover sapos sin que parezca cine de terror, es alguien a quien respetar. Cine interesante.

- Martin Scorsese – No direction home (2005)

Una mirada honda a la carrera de Bob Dylan, profusamente documentada. Muy buena.

- Orson Welles – The lady from Shangai (1947)

Una historia enrevesada, un final a imitar y muchos planos maestros. Welles. ¿Quién más?

- Todd Haynes – Im not there (2007)

No me gusta.

- Michael Curtiz – Casablanca (1942)

Guerra. Amor. Un tipo haciéndolas de duro, pero con corazón. Peliculaza.

- Rob Reiner - When Harry met Sally (1989)

Entretenida de principio a fin.

- Robert Benton – Kramer vs Kramer (1979)

Dustin Hoffman como un padre preocupadísimo de sus hijos. Linda historia.

- Joel Cohen – The big Lebowski (1998)

Así que esto era el gran Lebowski. ¿¿¿¿???? ¿¿¿Really???

- Sean Penn – Into the wild (2007)

La clásica película que hará que muchos chicos busquen sus sueños despreciando a sus padres. En algún momento lo hizo James Dean. Y miren como quedó….

- Billy Wilder – Some like it hot (1959)

Lemmon y Curtis hacen de las suyas, travestimente hablando, con Monroe como la rubia debilidad de siempre. Un final de antología.

- Martin Scorsese – Gangs of New York (2002)

Poema visual sobre los orígenes de aquella mítica ciudad. Lo siento, pero debo destacar a Day-Lewis. El tipo es un actorazo y punto.

- Donald Crisp, Buster Keaton – The navigator (1924)

El arte de no sonreír y hacer sonreír.

- Charles Chaplin – Modern times (1936)

Una crítica siempre vigente del ritmo de vida que estamos llevando. Woody Allen lo solucionó en su “Take the Money and run” de 1969, siguiendo la ruta de un delincuente inexperto y bobo.

- Charles Chaplin – The circus (1928)

Un guión predecible, pero hermosamente ejecutado por Chaplin

- Alfred Hitchcock – Psycho (1960)

Obra Maestra del Suspenso. Anthony Perkins espléndido. Otro final de aquellos. ¡Gracias Cine!

- Ridley Scott - Thelma y Louise (1991)

Entonces, los hombres son malos, luego podemos matar robar… ¿por eso?
A destacar: la interpretación de esposo machista de Christopher Mcdonald (de Requiem por un sueño)

- Darren Aranofsky – Cisne negro (2010)

Y hablando de Requiem por un sueño.
Si les digo: una madre loca, un personaje en busca de felicidad que se transforma de blanco a negro, drogas, heridas casi reales, ruiditos, alucinaciones y un final trágico. Uds me dirán “ahhh, Requiem por un sueño” NATT. Cisne negro. Del mismo director. Autoplagio…
A rescatar: Natalie Portman. Que buena actuación. Y Tchaikovsky, grande.

- Gaspar Noé – Irreversible (2002)

Monólogo de Noé: “¿Violación anal a Bellucci basta para ser considerado autor de culto? Mmm.. Sí.
¡Ciao Mónica!” Salvo la famosa escena, lo demás….

- Luis Buñuel /Salvador Dali – El perro andaluz (1928)

Dos genios. ¿Qué más?

- Clint Eastwood – Más allá de la vida (2010)

A mi me cargan los niños chicos en el Cine, pero los hermanos gemelos me encantaron. Ah si… la película… bueno…. Simpática. Conmovedora, es más acertado, pese a las 2 horas y 20.

- Anne Fletcher – The proposal (2009)

La típica comedia gringa = entretención vana. Pero necesaria.

Buzz Lightyear descubre que es sólo un juguete...

Los de Pixar saben que hay cosas que nos llegan. Saben hacer monitos animados con forma humana que logren empatizar con cualquier persona en el mundo. Es el caso de Buzz.
Entra el hombre creyéndose un guardián del espacio que tira rayos laser, puede volar y otras cosas que las ágiles manos de los niños en Taiwan adosan al juguete. Pues no.
Es casi como cuando uno pone la mano en su corazón y ¡Oh sorpresa! nos damos cuenta de que si falla ese aparatito, pues...

Como sea. Los dejo con una escena memorable del cine.



(lo siento por el eshpañol insufrible)

pd: De las cosas que uno se entera por buscar una foto de Buzz Lightyear: Un importante número de chicos encuestados cree que este personaje sideral, fue el primer hombre en pisar la Luna. Lindos ignorantes.

Cine: Raging Bull (Toro Salvaje) (1980)

Dirección: Martin Scorsese
País: USA.
Año: 1980.
Duración: 129 min.
Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=YiVOwxsa4OM
Categoría: Apto para boxeadores y golpeados por la vida.

"Jake la Motta (Robert de Niro) es un joven boxeador que se entrena duramente, ayudado por su hermano y manager Joey, para convertirse en el número uno de los pesos medios. Pero sus complejos psicológicos y sexuales le llevan a manifestar su agresividad tanto dentro como fuera del ring. En medio de esta tormenta interior se encuentra su hermano, convertido en víctima de la enfermiza paranoia y los celos de Jake. Pronto consigue ver hecho realidad tan ansiado sueño, pero el triunfo y el éxito convierten su vida en una pesadilla. Por un lado, su matrimonio cada vez marcha peor debido a sus salidas nocturnas con otras mujeres; por otro, la mafia le presiona para que amañe combates..." (Gentileza ElSeptimoArte.net)

Filmada en un precioso blanco y negro, Scorsese se inmiscuye en la vida del boxeador Jake La Motta, interpretado por un sin igual De Niro.
En este film el italo americano nos muestra la vida en el ring y fuera de él, como hermanos siameses sin posibilidad de intervención quirúrgica.
La Motta,un tipo concreto, tiene un objetivo: ganar. Y hará todo para lograrlo.
Este personaje es el típico hombre fuerte, pero que esconde una inseguridad tremenda, la cual canaliza en un machismo exacerbado (al extremo de golpear a su mujer).
El director permite que apreciemos la cima de este ídolo y el infierno del mismo.
Su infierno particular radica en la insatisfacción total. Nada hay que pueda llenarlo; ni el amor, ni la familia, ni el ganar, nada. Es un poco el caso de Tony Montana en Scarface(1983). Llega a lo más alto y ya no puede confiar en nadie. Aumenta la sensación de peligro y acaba diciendo frases tragicómicas al mando de una metralleta gigante.
Sin lugar a dudas hay que destacar la maravillosa interpretación de De Niro. Un tipo con cara rígida, primitivo, salvaje, que no ve a los lados sino sólo al frente. Intimidante.
Para este papel el actor ganó 20 kilos, lo cual lo hace irreconocible al empezar la cinta. De ahí que ganara el Oscar a Mejor Actor.
Por otro lado, Joe Pesci, comienza a mostrar sus primeras dotes como un actor capaz de asumir un secundario que lo haría famoso para siempre: la del pequeño mafioso dispuesto a matar producto de la ira.
Por último, cabe destacar la música empleada. Desde ese inicio arrollador y donde el boxeador parece danzar al son de "Cavalleria rusticana" de Pietro Mascagni, hasta esos jazz de Fitzgerald, Prima, Sinatra, etc. Todo rezuma blanco y negro.

La impactante escena con que abre este film:

Tres documentales de Stanley Kubrick

El gran maestro del cine, empezó alguna vez. Y no empezó con algún film descomunal. Se inició con los documentales.
En todos ellos vemos lo que serán algunas de las vigas esenciales en su manera de narrar historias.

- “Day of the fight” (1951)

De ritmo rápido, este documental engancha de inmediato.
Es un seguimiento a un boxeador en el día de una pelea. Cual es su rutina,sus costumbres, etc. La introducción es magnífica: va desde el boxeo, los fanáticos, hasta el boxeador y ahí comienza la historia de Cartier.

Se pregunta el narrador: qué es lo que lleva a alguien a pegar y ser pegado por dinero.
Se señala que el día de la pelea será un momento crucial que justificará su difícil vida.
La música que se usa es de intriga. En sus otras películas usará el mismo tipo de música.

Quizás acá se basó Scorsese para hacer “Raging Bull” (1980).
Vela acá

- “Flying Padre”(1951)

Este pequeño film (de tan sólo 8 minutos) nos muestra la vida de un sacerdote ayudando a la comunidad. Es un seguimiento a sus actos y a su heroísmo cotidiano.
Lo que podría rescatarse es que busca dar a conocer la vida de un personaje, así como luego lo hará con Barry Lyndon y con La Naranja Mecánica.
No lo tengo que decir yo, lo reconoce Kubrick: “Este corto es tonto”.
Velo acá.

- "The seafarers" (1953)


Como dice el locutor: "es una historia de hombres de mar. Historia de supervivencia, de orgullo". Podría fácilmente ser la base de “Paths of Glory”, aquella película donde un grupo de soldados batallan en la primera guerra mundial por un objetivo de supervivencia y patriotismo.
Señala el narrador, en una parte del film, que las máquinas de estas personas están para servirlos y no al revés. Nuevamente hay indicios de las preocupaciones de Kubrick que luego se plasmarán en sus obras posteriores.

Se vuelve patético al resaltar todos los beneficios de la International Seaferer Union, que es la institución que acoge a los marineros. Es propaganda barata.
Fue filmada por Kubrick para tener algo de dinero y fue supervisado por esa institución.
Velo acá.


En resumen, tres pequeñas obras que dan cuenta de las inquietudes de un cineasta que luego dará forma a films tan importantes en nuestras vidas como "2001: Odisea al espacio" o "El Resplandor", por nombrar solo un par.

Dos documentales sobre modistos, moda y arte.

Si hay una disciplina artística abandonada por los teóricos del arte, esa es el diseño de ropa.
Algunos piensan que ésta sólo sirve para vestirse, para verse mejor o para subir el autoestima en las calles.
En estas cosas nunca hay una sóla opinión, pero hay determinados aspectos que hacen pensar que el diseño de estas prendas, no es sólo cortar género tras género y ponerlo a la venta, sino que hay todo un esfuerzo artístico y de visión detrás de ellos que permiten que pueda venderse y ser aceptado por el pueblo.
Estos documentales sirven para basar esa afirmación.
Valentino es un artista de aquellos italianos excéntricos, sentimentales e iracundos. Italiano a la vena. Posee un sentido de sus obras perfecto y lo plasma de buena manera en sus desfiles y verdaderas instalaciones,llenos de belleza y originalidad. En el film se le ve en todas sus facetas, pero la película tiene la ventaja de mostrarlo todo con un barniz de gracia que permite disfrutarlo de principio a fin.
Por el otro lado Lagerfeld es una persona sobria, reposada y serena que contrasta con su colega. Este alemán que ha prestado sus oficios para Chanel, se muestra en el documental como una persona muy solitaria interesada tanto en la fotografía y en el diseño. Habla de su parecer sobre diferentes temas y como se entrelazan para dar vida a sus desfiles y diseños.

Ambos documentales muestran como trabajan dos geniecillos de la moda y el proceso de vestir maniquíes para desfiles y para exhibirlos como productos en las tiendas.

En cuanto a la discusión, yo me quedo con esta frase de un grande de la moda, Yves Saint Laurent: "La moda no es un arte, pero para dedicarse a ella hay que ser un artista"

Robert de Niro: Homenaje en los AFI.

Quizás la mejor forma de definir a alguien inteligente es señalar que debe ser capaz de transmitir con absoluta fidelidad lo que piensa. O sea, plasmar lo que quiere sin equivocarse. Que la gente entienda que es lo que quiso decir, hacer, etc.
De Niro lo hace con sus personajes: si hay que intimidar (El Padrino; Buenos muchachos), ser un loco (Taxi Driver; El Fanatico), convertirse en un gángster de tomo y lomo (Erase una vez en América),ser un mafioso inescrupuloso (Los Intocables), ser un padre ejemplar (Una historia del Bronx), ser un gángster enamorado (Casino), un drogadicto con ganas de robar (Jackie Brown), un ex militar metiche (Meet the fockers), etc, etc, de Niro es el hombre. Y uno muy inteligente. No por nada se le destaca su rigurosidad y profesionalismo al momento de enfrentar a los personajes.
Por eso se le entregó el 2003 un AFI Life Achievement Award, que destaca a una persona que a través de sus roles en T.V. o Cine ha ayudado al desarrollo de la cultura estadounidense.
Este premio se le ha otorgado a monstruos de la industria como Orson Welles, Alfred Hitchcock, Billy Wilder, Jack Nicholson, Clint Eastwood, Martin Scorsese, Al Pacino, Morgan Freeman, entre otros.
Acá los dejo con lo que discursearon algunos actores sobre él y su carrera y lo que señala Scorsese al final y él mismo. Emocionante.
(Algunos son de la La nueva generación: puros actorazos también)

1.- Joe Pesci:

2.- Sean Penn:

3.- Edward Norton:

4.- Martin Scorsese y Robert de Niro:

Murió Pete Postlethwaite

Poco suena su nombre, pero la actuación en la película "En el nombre del padre", quedará clavada en la historia del Cine como una de las más grandes.
Mis respetos a un actorazo.

Una escena memorable de una película emocionante:

¿¿¿Por qué "Jaws" (Mandíbulas) se llamó "Tiburón"???

Así es.
Muchas películas han tenido el mal honor de ser súbitamente cambiadas de nombre por un distribuidor loquillo.
Varios ejemplos:
- Die hard (aquella pésima/entretenida película de Burce Willis) se le tituló como Jungla de cristal. ¿Cómo llegamos a eso?
- Pulp fiction = Tiempos violentos. ¿Quéeeeeeee?
- Saw = El juego del miedo

Bueno, como sea, encontré una explicación bastante plausible de porque suceden este tipo de cosas.
Un tipo que trabaja para una distribuidora española, nos da la clave:
"Muchas veces no es cuestión de gustos personales o de hacer una traducción calcada del original, las distribuidoras tratan de encontrar un título que conecte con ese público mayoritario que suele acudir a las salas de cine, principalmente los fines de semana, sin tener mucha idea de los que se “mueve” en la cartelera y tiene que elegir cuando se encuentra delante del cine. Para la elección del título no se suele tener en cuenta el perfil del cinéfilo, ni el de los espectadores que esperan expectantes una película en concreto, ese público ya conoce el producto, ya se ha informado y ya sabe lo que va a ver, no hace falta engancharlo ni llamarle la atención."
Eso en líneas generales. Bastante probable.

Toda la entrevista (interesante también) acá: http://www.blogdecine.com/entrevistas/entrevista-a-matias-boero-asistente-tecnico-de-distribucion-en-deaplaneta-los-titulos-deben-conectar-con-un-publico-mayoritario-que-no-tiene-mucha-idea